En la web de Ruta 66 podéis leer la entrevista completa a Bill Davis de Dash Rip Rock. En la edición de papel tenéis una versión reducida. Aquí tenéis una de las preguntas que quedaron fuera del papel:

¿Cómo se mantiene viva esa fórmula después de quince discos sin caer en la nostalgia?

No tengo ninguna fórmula y nunca he tocado un solo tipo de música. Nací en Nueva Orleans y he vivido toda mi vida en Luisiana, salvo unos años en Nashville. Mi madre era de Georgia, así que tengo acento sureño. Rock, cowpunk o lo que sea que haga… el acento aparece y enseguida la gente te llama alt-country. Es verdad que Dash fue una de las primeras bandas haciendo versiones aceleradas y punk de cosas como «Jambalaya» o «White Lightning». Eso venía de crecer soportando toda la mierda de Luisiana y de la iglesia baptista mientras descubría el rock, la new wave y el punk desde muy joven. Y mi padre adoraba el country de verdad.

Desde que empecé nunca he dejado de escribir canciones nuevas. Rock, cowpunk, baladas indie, jangle pop o lo que salga. Y sobre la nostalgia, Dash nunca ha dejado de girar ni de grabar. No hay tiempo para mirar atrás cuando estás ocupado tocando, escribiendo y cargando la furgoneta. La música honesta y emocionante nunca pierde fuerza para mí. En Nueva Orleans ves músicos increíbles que envejecen haciéndose todavía mejores. Cuando era joven pensaba que los veteranos eran los más cool. Me imaginaba convertido algún día en un pistolero curtido como Bo Diddley o Carl Perkins. Una vez fui a recoger a Bo Diddley al aeropuerto y tuve que cargar con su guitarra. Ha sido una de las cosas más increíbles que he me han pasado en mi vida.

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Fragmento de la entrevista que mantuve con Xarim Aresté para Mondosonoro:

Si en el pasado trabajaba de manera mucho más impulsiva, ahora el proceso es mucho más lento. “Antes publicaba prácticamente todo lo que hacía. Ahora puedo dejar una canción reposando durante años y pasarla por un filtro hasta que desaparecen las impurezas”. No se trata tanto de perfeccionismo como de una nueva relación con el tiempo. “Cuando eres joven tienes mucha prisa. Ahora no. Ahora entiendo que las canciones necesitan su tiempo”. Ese cambio también afecta a la forma en que los discos terminan tomando forma. El músico reconoce que no suele partir de un concepto cerrado. Más bien ocurre lo contrario. Escribe muchas canciones y, en algún momento, algunas de ellas empiezan a reconocerse entre sí. “De repente hay canciones que comienzan a hablar entre ellas. Como si fueran hermanas o primas. Y ahí aparece algo bastante mágico”. Ese componente misterioso forma parte esencial de su manera de entender la música. Para él, el proceso creativo no es algo completamente racional. “Hay algo muy accidental en hacer música. Hay canciones que podrían haber estado en este disco y han acabado en otro, o al revés”.

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Hay artistas que llevan décadas haciendo exactamente lo que deben hacer, con la obstinación silenciosa de quien no necesita que le aplaudan en cada esquina, y Todd Thibaud es uno de ellos. Aún recuerdo aquellos CDs de promoción enviados por Blue Rose a principios de siglo. Bostoniano de raíces, con una trayectoria que se extiende desde los noventa sin grandes aspavientos ni caídas estrepitosas, este trovador de la Americana llega con Alchemy en un momento en que parece haber encontrado el equilibrio exacto entre la madurez de quien ya no tiene nada que demostrar y la energía de quien todavía tiene mucho que decir. A estas alturas de su carrera, uno esperaría un disco cómodo, casi rutinario. Lo que entrega es otra cosa.

Alchemy suena a destilación. No en el sentido de que Thibaud haya reducido su música hasta hacerla minimalista o austera, sino en el sentido químico del título. Algo que pasa por el fuego y sale transformado, más puro, más él mismo. El disco mueve con soltura entre el folk de raíces y el country-blues de carretera, con una producción que respira sin agobiarse en ornamentos innecesarios, dejando espacio para que las guitarras tengan textura y las melodías lleguen sin intermediarios. Hay momentos en que la banda suena con esa cadencia casi pantanosa que recuerda a los mejores discos del Americana profundo, donde el ritmo no empuja sino que arrastra, y eso es exactamente lo que debe hacer.

Las canciones funcionan como pequeños relatos donde las emociones no se nombran directamente sino que se intuyen en los detalles. «Long Way Home» tiene esa estructura de confesión tardía, de alguien que narra un recorrido sabiendo ya cómo termina, con una melodía que se asienta en la memoria desde la primera escucha sin recurrir a ningún truco fácil. «Ordinary Life» trabaja el territorio de lo cotidiano con una honestidad que raramente resulta tan efectiva: no hay grandilocuencia, solo observación limpia. Y «Burn It Down» aporta algo de urgencia eléctrica al conjunto, un contrapunto necesario que demuestra que Thibaud no está haciendo un ejercicio académico de Americana sino música con temperatura real.

La voz merece mención aparte. Thibaud canta con esa rugosidad controlada que distingue a los intérpretes que han aprendido a usar sus limitaciones como herramienta (algo que mucha gente olvida que es un arte en sí mismo), y en Alchemy suena especialmente cómodo, sin esfuerzo aparente, como si cada frase encontrara su lugar natural en el espacio. La banda que le acompaña en esta gira europea y en la grabación acompaña sin invadir, que no es poca virtud.

Si hay algo que señalar con espíritu crítico es que el disco tiene algún momento central donde la intensidad baja y el conjunto pierde algo de su pulso sin llegar a recuperarlo del todo hasta el final. No es un defecto grave, pero es visible. Dicho queda. No se me acuse de partidista. En cualquier caso, Alchemy confirma que Thibaud sigue siendo uno de esos nombres que merecen más atención de la que reciben, y que cuando alguien finalmente los descubre, suele preguntarse cómo ha podido tardar tanto. Imprescindible.

En mayo podéis encontrar textos míos en los siguientes medios:

MONDOSONORO

• Entrevista Bunbury
• Entrevista Minibus Intergalàctic

RUTA 66

• Entrevista Dash Rip Rock
• Entrevista Michael Weston King
• Reseña discos Garrett T. Capps y Drayton Farley
• Reseña DVD Big Mama Thornton
• Reseña libro El joc del silenci

ROCKBOTTOM MAGAZINE

• Entrevista Steven Munar

Vamos con los artículos aparecidos en la prensa escrita este mes, y firmados por un servidor.

• MONDOSONORO: Retrovisor sobre Social Distortion escogiendo tres discos, «el bueno, el malo y la rareza»

• RUTA 66:
  • Reseña de la película EPiC sobre Elvis Presley
  • Reseña del libro Richard Manuel. His Life and Music
  • Reseñas de los discos de Mariachi El Bronx y Music City

«Nuevo trabajo de José Galván y ejercicio de reivindicación tan riguroso como necesario. El autor se enfrenta a una de esas bandas que todos reconocen pero que rara vez ocupan el lugar central que merecen en la narrativa del hard rock, UFO. Galván explica con claridad por qué el grupo británico fue mucho más que un nombre recurrente en camisetas o en listas de clásicos de culto, subrayando su habilidad para combinar potencia y melodía, y recordando que su influencia alcanza tanto a pesos pesados del rock alternativo como a devotos del power pop (algo que mucha gente olvida a menudo). El libro traza la evolución del grupo con una precisión casi quirúrgica, deteniéndose en discos, formaciones, giras y conflictos internos, sin perder de vista el contexto de excesos y tensiones que marcó su trayectoria».

Reseña completa en mondosonoro

A estas alturas de su carrera, Tim Easton ya no tiene nada que demostrar. Pero el cantautor de Ohio parece seguir escribiendo canciones como si aún estuviera tocando en la esquina de alguna ciudad europea (en su última visita nos comentó que Barcelona era de sus ciudades favoritas) con la funda de la guitarra abierta a sus pies. Esa ética de trovador, de oficio más que de industria, vuelve a marcar el pulso de fIREHORSE, su decimocuarto álbum de estudio, grabado en Nashville bajo la producción de Kevin Nolan y recién publicado.

El disco nace, curiosamente, bajo la influencia visual de un cuadro pintado por su hermana Susan Easton Burns, un caballo rojo que terminó convirtiéndose en portada y en símbolo conceptual del proyecto (por cierto, no me gustan las portadas sin el nmbre del autor y el título del disco, dicho queda). Easton ha explicado, a partir de ahí, que el álbum se concibió como una obra con un hilo conductor claro, la perseverancia.

Musicalmente, fIREHORSE se mueve dentro de ese territorio que Easton ha ido colonizando durante décadas. Ya saben, folk de raíces, country-blues polvoriento y un toque de rock clásico que evita cualquier gesto grandilocuente. El arranque con «River» marca el tono con ese blues oscuro y arrastrado que avanza con una cadencia casi pantanosa. No es un comienzo explosivo, pero sí eficaz para situar al oyente en ese universo de carreteras, dudas y memoria que atraviesa el disco. En contraste, «Heaven & Hell» se desliza hacia un terreno más cálido, con una melodía amable que suaviza la voz ligeramente rasposa de Easton, mientras «Son of a Tyrant» introduce un aire psicodélico que mezcla folk y country con una atmósfera casi lisérgica. Aunque quizá uno de los momentos más llamativos del disco llega con «Hallelujah», donde el autor conecta recuerdos personales con acontecimientos históricos como la caída del dictador rumano Nicolae Ceaușescu, en una canción que alterna espiritualidad y política con naturalidad, sin caer en el panfleto. El álbum se cierra con «HWY 62 Love Song», una mirada nostálgica al desierto californiano de Joshua Tree, lugar donde Easton pasó años viviendo y escribiendo. Canciones bien construidas, historias vividas y una producción que amplía la paleta sonora de Easton sin traicionar su esencia son más que suficientes para mantener vivo el fuego en tiempos de artificios innecesarios.

Publicada en http://www.ruta66.es

Ya estamos aquí, de nuevo, resumiéndoos los artículos publicados en papel, esta vez, en tres de los cuatro medios con los que colaboramos habitualmente.

• Ruta 66: Reseña de discos de Handsome Jack y Dash Rip Rock
• Mondosonoro: Reseña disco Santi Campos y libro Motörhead. In/Out
• Cuadernos Efe Eme: Artículo The Mavericks /Raúl Malo

Que ustedes los lean bien…

Febrero es un mes corto, pero el Ruta viene más cargado que nunca, con portada para los fantásticos 091.

Esta es nuestra colaboración al número 444 de la revista en papel:

• Entrevista a Los Lobos
• Reseña documental Counting Crows
• Reseña libro Iron Maiden
• Reseñas discos Jake Owen, Omar & The Howlers y Langhorne Slim

Como consecuencia de la publicación de From Elvis in Memphis. La última gran evasión de Elvis, nos entrevistan ampliamente en Rock Bottom Magazine.

Esta es una de las preguntas de la entrevista:

Vamos a ponernos en situación. Estamos a finales de los 60. Elvis comete el error de alistarse al ejército, que fue idea, oh sorpresa, del Coronel. Desde entonces su carrera ha decaído totalmente por el tema de las películas, prima de lo comercial, hacer películas que empezaron bien, alguna buena hizo al principio,
pero después aquello decae a niveles lamentables. Nos encontramos a un Elvis que, como tú decías, estaba un poco artísticamente fundido.

Es el momento en el que da carnaza a cualquiera que quiera criticar a Elvis. Si quieres criticar a Elvis te vas a cualquier año que esté entre el 62 y el 68, coges cualquier disco y le puedes poner fino, tranquilamente.
Está muerto artísticamente, él mismo es consciente. A finales de los 60, hacia el 67, mira hacia atrás y dice “Qué mierda he hecho con mi carrera musical. No he conseguido lo que yo quería, que era ser un actor como James Dean o Marlon Brando, porque no tengo esa capacidad”.

ENTREVISTA COMPLETA AQUI